Choreografia, sztuka tworzenia i aranżacji tańców. Słowo pochodzi od greckiego „taniec” i „pisać”. W XVII i XVIII wieku rzeczywiście oznaczało to pisemny zapis tańców. Jednak w XIX i XX wieku znaczenie zmieniło się, niedokładnie, ale uniwersalnie, podczas gdy zapis pisemny stał się znany jako notacja taneczna.
taniec: choreografia
Choreografia to sztuka robienia tańców, gromadzenia i organizacji ruchu w celu uporządkowania i wzornictwa. Najnowszy
Poniżej krótkie omówienie choreografii. Aby uzyskać pełne leczenie, patrz taniec: choreografia; taniec, western.
Kompozycja tańca jest twórcza w taki sam sposób, jak kompozycja muzyki. Notacja tańca jest jednak dziełem analizy i reportażu, wykonywanym zazwyczaj przez osoby inne niż choreograf, w języku lub znakach, które twórca może nie rozumieć.
Podczas renesansu mistrzowie tańca we Włoszech, tacy jak Domenico da Piacenza, uczyli tańców towarzyskich na dworze i prawdopodobnie zaczęli wymyślać nowe lub układać warianty znanych tańców, łącząc w ten sposób funkcję twórczą z edukacyjną. Balet wystawiany wykorzystywał te same kroki i ruchy co taniec towarzyski i różnił się od niego przede wszystkim układem podłogi i projekcją wizualną.
W XVI wieku mistrzowie tańca na dworze francuskim tak zorganizowali wzory podłóg oraz konteksty teatralne i artystyczne swoich tańców społecznych, aby zainicjować formę choreograficzną, balet de cour. W następnych dwóch stuleciach przepaść między tańcem społecznym a tańcem teatralnym powiększyła się, aż w XIX wieku balet osiągnął zasadniczo niezależne słownictwo.
Baletnik tej epoki, choreograf, był aranżerem tańca jako sztuki teatralnej. Gigantem sztuki choreograficznej z końca XVIII wieku był Jean-Georges Noverre, którego twórczość i pisma sprawiły, że balet dramatyczny lub balet był celebrowany. W tym balecie włączono zarówno mim, jak i tańce akademickie, dając wyraz tańcowi w kontekście narracyjnym i histrionicznym. Po Noverre i jego współczesnym Gasparo Angiolini inni rozwinęli ten trend na różne sposoby - zwłaszcza Jean Dauberval w realistycznym przedstawieniu współczesnego wiejskiego ludu, Charles Didelot w kierunku romantycznej iluzji scenicznej i fantasy oraz Salvatore Viganò w dramatycznym użyciu zespołu (choreodramma) i naturalność tragicznego gestu.
Choreografowie ruchu romantycznego posługiwali się baletem, skodyfikowanym przez takich mistrzów jak Carlo Blasis, głównie w teatralnych formach baletu z czasów Noverre'a lub w rozrywkowych operach (przerywniki baletowe). Balerina, której rola została wzmocniona przez nowo wymyślony pointwork (pozycja równowagi na skrajnym czubku palca), a także kobiecy korpus baletu zyskały na znaczeniu. Choreografami, którzy najlepiej rozwinęli sztukę teatralnej narracji tanecznej, był August Bournonville w Kopenhadze; Jules Perrot, szczególnie w Londynie i Petersburgu; oraz Marius Petipa, który w Petersburgu doprowadził spektakularny balet klasyczny do szczytu w takich dziełach jak Śpiąca królewna, w których rozbudowane i złożone suity tańca klasycznego nadały fabule wyraz poetycki i metaforyczny.
Wczesny taniec nowoczesny w Stanach Zjednoczonych wprowadził nowe elementy ruchu i ekspresji; a w balecie dzieło Michela Fokine podkreślało bardziej naturalistyczny styl i silniejszy wizerunek teatralny niż klasyczny balet Petipy. Od tego czasu formy choreograficzne różniły się między biegunami reprezentacji i abstrakcji.
Notacja taneczna w XX wieku zaczęła zajmować się zarówno ruchem podstawowym, jak i tańcem formalnym. Pomagał jej wynalazek nowych systemów abstrakcyjnych symboli - najbardziej wpływowych były Rudolf von Laban i Rudolf Benesh. Labanotacja jako pierwsza wskazała czas trwania, płynność lub intensywność ruchu. Obecnie systemy te i inne nadal ewoluują gwałtownie, wzmacniane przez filmy i taśmy wideo.
Choreografia rozwijała się nie mniej szybko. Metody kompozycji różnią się diametralnie - niektórzy choreografowie wykorzystują improwizacje swoich tancerzy jako surowiec, inni opracowują każdy ruch przed próbą. Merce Cunningham radykalnie zmienił kontekst choreografii w swoim podejściu do muzyki i wystroju jako przypadkowym (zamiast współpracy lub wsparcia) tańcu, w stosowaniu przypadkowych metod w komponowaniu i organizacji tańca oraz w wykorzystywaniu nieteatralnej przestrzeni wykonawczej. On, George Balanchine i Sir Frederick Ashton stali się wiodącymi przedstawicielami tańca klasycznego lub abstrakcyjnego; ale dwie ostatnie - jak Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins i inni - również wyprodukowały znaczące dzieła choreograficzne. Jedynymi bezwzględnymi regułami w dzisiejszej choreografii jest to, że powinna ona narzucić porządek w tańcu poza poziom czystej improwizacji i że powinna kształtować taniec w trzech wymiarach przestrzeni i czwartym wymiarze czasu, a także zgodnie z potencjałem człowieka ciało.
