Muzyka Koto
Szkoły i gatunki
Koto, 13-strunowa cytra z ruchomymi mostami, została wymieniona jako jeden z podstawowych instrumentów zespołów dworskich, a także jako wspólna oferta kulturalna dla dworskich pań. Rozwój niezależnych gatunków muzyki solowej i kameralnej dla tego instrumentu staje się bardziej widoczny, gdy wkracza się w okres Muromachi (1338–1573). Najwcześniejszą zachowaną szkołą solowej muzyki koto jest Tsukushi-goto. Po raz pierwszy odnotowano go pod koniec XVI wieku na wyspie Kiusiu, gdzie przez stulecia uchodźcy i wygnańcy gromadzili się podczas wstrząsów w Kyōto. Wcześniej twierdzono, że chińskie wpływy są częścią jego twórczości, choć fakty historyczne są niejasne. Mówi się, że repertuar Tsukushi-goto rozpoczyna się od wariantów pieśni dworskich imayō. Zestawom piosenek towarzyszyło koto, a czasem trójstrunowy oskubany samisen (shamisen w tokijskim dialekcie). Zestawy nazwano kumiuta, terminem stosowanym do większości muzyki kameralnej, która nastąpiła później. XVI-wieczny kapłan Kenjun przypisuje się stworzenie szkoły i jej pierwsze kompozycje. Tradycja stała się bardziej świecka, kiedy pojawiła się w Edo. Tam XVII-wieczny niewidomy muzyk o imieniu Jōhide, który był uczniem Hōsui, sam uczniem Kenjun, opracował własną wersję takiej muzyki. Dodał kompozycje w bardziej popularnych idiomach i skalach, nazwał się Yatsuhashi Kengyō i założył szkołę koto Yatsuhashi. Tytuł Yatsuhashi został później przyjęty przez inną pozornie niepowiązaną szkołę na dalekim południu na Wyspach Ryukyu.
Dodatkowe szkoły popularnego lub „wulgarnego” koto (zokuso) odzwierciedlały życie kupieckie nowego okresu Tokugawa (zwanego także Edo) (1603–1867). W 1695 r. Innym przedłużeniem tradycji koto Kenjuna była trzecia generacja Ikuta Kengyō, który rozpoczął swoją szkołę Ikuta. Termin kengyō był jednym z podstawowych szeregów muzyków w systemie gildii i dlatego często występuje w profesjonalnych nazwiskach, ale nazwa Ikuta pozostała jednym z głównych źródeł muzyki koto do czasu stworzenia kolejnej szkoły przez Yamadę Kengyō (1757–1817). W dzisiejszej Japonii szkoły Ikuta i Yamada pozostają popularne, podczas gdy wcześniejsze tradycje znacznie zanikły. Obie szkoły dostarczyły słynnych kompozytorów, a ich szkoły zawierają kilka utworów, a także kilka wcześniejszych dzieł, które są teraz wspólne dla cechów w ramach klasycznego repertuaru koto. Nieco dłuższy i węższy kształt koto Ikuta daje dźwięk łatwo odróżnialny od tonu szkoły Yamada.
Muzyka Koto jest ogólnie znana jako sōkyoku. W muzyce instrumentalnej Koto solo (shirabemono) najważniejszym rodzajem jest danmono, utwór wariacyjny w kilku sekcjach (dan), każdy o długości 104 bitów. Termin dla kameralistyki koto, sankyoku, oznacza muzykę dla trzech osób. Standardowe oprzyrządowanie dzisiaj składa się z gracza koto, który również śpiewa, wraz z wykonawcami na trójstrunowej oskubanej lutni samisen i końcowym flecie shakuhachi. We wcześniejszych czasach częściej niż flet używano wygiętego wariantu samisena zwanego kokyū. Podstawowy gatunek muzyki kameralnej nazywa się jiuta i łączy wcześniejszą tradycję kumiuty z towarzyszeniem pieśni z muzyką instrumentalną poprzez naprzemienne sekcje ze śpiewem (uta) i interludiami instrumentalnymi (tegoto). Po XIX wieku do instrumentalnych przerywników często dodawana była druga upiększająca część koto (danawase). Innowacje XX wieku zostały omówione poniżej.
Strojenie i notacja
Każda szkoła muzyki koto, od dworskiej tradycji po współczesność, obejmuje zmiany w strukturze instrumentów, a także zmiany w sposobie gry i notacji. Starożytne koto dworskie (gaku-so) jest podobne do współczesnego koto i jest rozgrywane za pomocą kilofów (tsume) na kciuku i pierwszych dwóch palcach prawej dłoni lub gołymi palcami, chociaż w przeciwieństwie do stylów Ikuta i Yamada, lewy ręka nie jest używana do zmiany tonu przez naciśnięcie sznurka po drugiej stronie ruchomych mostów. Jego notacja składa się przede wszystkim z nazw podstawowych wzorów oprócz okazjonalnych fragmentów melodycznych i tekstu. Przetrwanie takiej muzyki zależy od trwałej tradycji rote; dlatego większość tradycji zostaje utracona.
Strojenie 13 strun koto dworskiego pochodzi z trybów skal ryo i ritsu z wcześniejszych okresów. Strojenie stosowane w tradycjach Edo Koto ujawniają jednak nowe, pozornie autochtoniczne systemy tonalne. Koncepcje te zostały ostatecznie skategoryzowane według dwóch skal zwanych yo i in. Strojenie hira-joshi pojawia się w tak znanych wczesnych dziełach, jak Rokudan (Six Dans) przypisany Yatsuhashi Kengyō, „założycielowi” współczesnych stylów koto. W sumie istnieje około 13 standardowych strojów dla koto i wielu wariantów. Podobnie jak wszystkie inne popularne japońskie utwory muzyczne z XVII wieku, te stroje koto oparte są albo na starszej tradycji zachowanej częściowo w formie yo, albo na bardziej „nowoczesnej” skali. Można zauważyć okazjonalne utwory z XIX wieku, które zostały celowo napisane w poprzednim stylu trybu gagaku, a także wykorzystanie holenderskiego tuningu (oranda-choshi), zachodniej skali major wywodzącej się z holenderskiej dzielnicy biznesowej na Deshima w Nagasaki. Niemniej jednak system jo-in pozostaje podstawowym źródłem tonalnym dla nowej muzyki japońskiej od XVII wieku, z wyjątkiem muzyki dworskiej, nowych utworów Noh i twórczości kompozytorów awangardowych po II wojnie światowej.
Najwcześniejsze drukowane notacje sztuk koto, samisen i fletów z okresu Tokugawa znajdują się w Shichiku shōshinshū (1664), Shichiku taizen (1685) i Matsu no ha (1703). Chociaż wiele sekcji takich zbiorów zawiera tylko teksty piosenek, niektóre z nich są równoległe do linii słów z liczbami reprezentującymi struny na koto lub pozycje palców na samisen, nazwy stereotypowych wzorów koto lub mnemoniki dla konkretnego instrumentu, z którym kawałek jest wyuczony. Pod koniec XVIII wieku zarówno tradycja koto, jak i samisen opracowały bardziej dokładne wizualnie zapisy. Wersja koto (po raz pierwszy widziana w Sōkyoku taisho, 1779) używa kropek o różnych rozmiarach do wskazania rytmu. Na początku XIX wieku numery strun zostały umieszczone w kolumnach kwadratów reprezentujących rytm. Liczby i placów ostatecznie połączono z 2 / 4 bar-koncepcji linii Zachodu, tak aby oznaczenia obu szkołach dzisiaj, chociaż oddzielne systemy, utrzymanie równowagi idei tradycyjnych i zachodnich. Współczesne kompozycje próbują zrobić to samo, ale zanim będzie można je leczyć, należy zwrócić uwagę na tradycje związane z innymi głównymi instrumentami okresu Tokugawa.
