Piktorializm, podejście do fotografii, które podkreśla piękno tematu, tonalności i kompozycji, a nie dokumentację rzeczywistości.
historia fotografii: piktorializm i połączony pierścień
Pomysły Newtona, Rejlandera, Robinsona i Emersona - choć na pozór zróżnicowane - miały ten sam cel: uzyskać akceptację dla fotografii
Perspektywa piktorialistyczna narodziła się pod koniec lat 60. XIX wieku i panowała przez pierwszą dekadę XX wieku. Zbliżył się do aparatu jako narzędzia, które, podobnie jak pędzel i dłuto, może być użyte do złożenia artystycznego oświadczenia. W ten sposób fotografie mogłyby mieć wartość estetyczną i być powiązane ze światem ekspresji sztuki.
Sama nazwa pochodzi od myśli Henry Peach Robinson, brytyjskiego autora Pictorial Effect in Photography (1869). Chcąc oddzielić fotografię jako sztukę od naukowych celów, do których została zastosowana, Robinson zasugerował odpowiednie tematy i urządzenia kompozycyjne, w tym połączenie części różnych fotografii w celu uzyskania „złożonego” obrazu. W latach 80. XIX wieku brytyjski fotograf Peter Henry Emerson szukał również sposobów promowania osobistej ekspresji na zdjęciach z kamer. Choć krytyczny wobec kompozytowych zdjęć, Emerson i jego zwolennicy, szukając modeli dostarczonych przez takich artystów, jak JMW Turner, malarze ze szkoły Barbizon i malarze impresjonistów, starali się odtworzyć efekty atmosferyczne w naturze, zwracając uwagę na skupienie i tonację.
Książka Emerson Naturalistic Photography (1889) miała ogromny wpływ w ostatnich latach XIX wieku. Amerykańscy i europejscy fotografowie, którzy przestrzegali tych zasad, organizowali stowarzyszenia i organizowali wystawy mające na celu wykazanie, że medium jest w stanie wytwarzać dzieła o wielkim pięknie i ekspresji. Przed 1900 r. Linked Ring w Wielkiej Brytanii, paryski klub fotograficzny, Kleeblatt w Niemczech i Austrii, a po przełomie wieków secesja fotograficzna w Stanach Zjednoczonych promowała fotografię jako sztukę piękną. W tym celu niektórzy fotografowie zaakceptowali ręczne prace nad negatywem i zastosowali specjalne metody drukowania, wykorzystując - między innymi chemikalia - dwuchromian gumy i bromoil gumy. Oprócz tych procedur, które gwarantowały, że każdy wydruk różni się od innych od tego samego negatywu, fotografowie piktorialistyczni sprzyjali również włączeniu monogramów i prezentacji pracy w gustownych ramach i matach. Frederick H. Evans, Robert Demachy i Heinrich Kühn byli wśród wybitnych Europejczyków, którzy brali udział w ruchu.
Do piktialistów w Stanach Zjednoczonych należeli Alvin Langdon Coburn, F. Holland Day, Gertrude Käsebier, Edward Steichen, Alfred Stieglitz i Clarence H. White. W późnym dziele Stieglitza, a także Paula Stranda i Edwarda Westona, amerykański piktorializm mniej angażował się w efekty atmosferyczne i piękną tematykę, ale przez kilka lat po I wojnie światowej starsze ideały malarskiego piękna zostały zachowane przez grupę o nazwie Fotograficzni fotografowie Ameryki. Pod koniec lat dwudziestych XX wieku, kiedy przyjęła się estetyka modernizmu, pojęcie piktorializm zaczęło opisywać zmęczoną konwencję.
