Wystawa „#techstyle” w 2016 roku w Bostońskim Muzeum Sztuk Pięknych świętowała nowy poziom kreatywnej współpracy między modą a zaawansowaną technologią. Zaprezentowano ponad 60 ubrań 33 uznanych i wschodzących projektantów. Przedmioty obejmowały od cyfrowo drukowanej sukienki z kolekcji „Platon's Atlantis” Alexandra McQueena (wiosna-lato 2010) po „Opętaną sukienkę” Husseina Chalayana, nowo zamówioną czerwoną suknię, którą zadebiutował w swoim filmie Gravity Fatigue (2015); wewnętrzna obręcz sensoryczna tej drugiej odzieży pasowała do subtelnych ruchów ciała tancerza w interaktywnym pas de deux. Przez całą wystawę - czy to w haute couture kreacjach Iris van Herpen, iteracji 2016 „CuteCircuit MFA Dress” (2012), czy Nervous System (Jessica Rosenkrantz i Jesse Louis-Rosenberg) „Kinematic Petals”, flirtująca sukienka „# techstyle” odważnie pokazał, że zaawansowana technologia nie jest już tylko fantazją przyszłości mody, ale dynamicznym czynnikiem współczesności, dostosowanym do indywidualnych potrzeb poprzez skanowanie cyfrowe i wyprodukowanym w pełni uformowanym, starannie złożonym i gotowym do noszenia z drukarki 3D. projekt.
Historia ubioru i postęp technologiczny zawsze były ze sobą powiązane. Od takich osiągnięć z epoki przedindustrialnej, jak igła z oczkami i takie narzędzia, jak wrzeciono i kołowrotek używane do ręcznego przędzenia, aż po zmechanizowany proces produkcyjny możliwy dzięki innowacjom rewolucji przemysłowej, technologia poprawiła jakość i złożoność odzieży oraz sprawiła, że produkcja była łatwiejsza i bardziej wydajna niż stulecia. Postęp ten przyspieszył w połowie XIX wieku, kiedy Isaac Merritt Singer opatentował (1851) popularną maszynę do szycia. Nowo produkowane materiały, takie jak elastyczna i stalowa, mają modne kształty; barwniki anilinowe dodały żywej, nowej kolorystyce do palety mody; a pod koniec wieku tkaniny syntetyczne - zwłaszcza sztuczny jedwab, a później nylon - stanowiły niedrogą alternatywę dla takich luksusowych tkanin jak jedwab. Kiedy technologia poszerzyła bazę konsumentów mody, zdemokratyzowała niegdyś elitarny przemysł modowy, ale odegrała rolę wspierającą w projektowaniu mody. Ta dynamika zaczęła się zmieniać w połowie XX wieku wraz ze wzrostem estetyki „kosmosu” z lat 60. XX wieku, co widać w zapasowych liniach i metalowych powierzchniach, które definiowały kolekcje André Courrèges i Pierre Cardin. Te projekty, postrzegane jako nowości, zostały niegodziwsko uszczypnięte w filmie mody Williama Kleina Qui êtes-vous, Polly Maggoo? (1966). Opracowanie nowych materiałów syntetycznych - winylu, spandeksu, kevlaru, rzepu i własnej Cardiny Cardina (1968) - miało bardziej trwały efekt, dając projektantom materiał, dzięki któremu technologia może stać się integralną częścią procesu projektowania.
Interaktywność doprowadziła do zaawansowanego technologicznie projektowania w XXI wieku, jak widać na przykład w ubraniu społecznościowym Electricfoxy „Ping” zaprojektowanym przez Jennifer Darmour (2010). Bluza z kapturem Ping połączona z kontem medialnym użytkownika, umożliwiająca otrzymywanie aktualizacji informacyjnych i „pingowanie” jej przyjaciołom. Wprowadzono nowe „akcesoria do noszenia” jako artykuły modowe, takie jak okulary Google Glass (2013) i bardziej udany zegarek Apple Watch (2015). W 2016 r. Microsoft opatentował „koszulę nastroju”, odzież osadzoną w obwodach z miękkimi komórkami, które reagują na tętno i temperaturę ciała przyjemnym ciepłem lub wibracjami, aby poprawić nastrój użytkownika. Jednak, jak zauważyła krytyk mody Vanessa Friedman, projektanci mogą uznać potencjał wkładu technologii w modę za coś więcej niż „gadżet, który przypina się do ciała”. O tym przekonaniu poinformował 25 maja 2016 r. Program „Couture in Orbit” sponsorowany przez Europejską Agencję Kosmiczną (ESA) i prowadzony przez Science Museum w Londynie. ESA rzuciła wyzwanie pięciu szkołom designu reprezentującym narodowości astronautów w ramach misji Międzynarodowej Stacji Kosmicznej 2014–16: duńskiej Fashion Design Akademiet, włoskim Politecnico di Milan, brytyjskim Ravensbourne oraz oddziałom ESMOD we Francji i Niemczech. Każdej ze szkół przypisano jeden temat - na przykład technologię, środowisko, innowacje, zdrowie i odżywianie - ale wszystkie miały ten sam mandat do tworzenia trwałych i stylowych ubrań z zaawansowanymi technologicznie funkcjami. Krajowi sponsorzy korporacyjni oferowali porady, a dzięki kreatywnej współpracy uczniowie wyprodukowali najnowocześniejszą odzież, która zawierała czujniki, inteligentne tkaniny i materiały z recyklingu jako podstawowe elementy projektu.
W dziedzinie haute couture Issey Miyake zachował równowagę podczas 45-letniej kariery w stosowaniu tradycyjnych technik i najnowocześniejszych technologii. „Wystawa Miyake Issey: dzieło Issey Miyake” zorganizowana w 2016 r. Przez National Art Center, Tokio, podkreśliła jego fascynację przyszłością, a także szacunek dla materiałów i praktyk jego japońskiego dziedzictwa. W przeciwieństwie do powierzchownych odniesień do kosmicznych projektów z lat 60. XX wieku, sukienka „Flying Saucer” Miyake (wiosna-lato 1994) została najpierw wycięta, a następnie przetworzona za pomocą podgrzewanej prasy, która na stałe ją plisowała. Jego linia A-POC („A Piece of Cloth”) z 1999 roku, opracowana wraz z Dai Fujiwarą, wykorzystała technologię komputerową do stworzenia szablonu dla koszulki jersey, która została wyprodukowana na podstawowej maszynie dziewiarskiej, przy użyciu tylko jednej długości tkaniny; ubranie otaczało ciało w pozornie nieograniczonej różnorodności sylwetek.
Chalayan zajmował czołowe miejsce w projektowaniu odzieży interaktywnej wykorzystującej technologię bezprzewodową. Jego sukienka „Remote Control” zatrzymała pokaz w kolekcji wiosna-lato 2000 prêt-à-porter (gotowa do noszenia). W „Before Minus Now” na wybiegu pojawił się mały chłopiec z pilotem zdalnego sterowania, który otworzył jasnoróżowe formowane panele z włókna szklanego, aby odsłonić warstwy syntetycznego tiulu. Najbardziej zapadające w pamięć dzieła Chalayana, takie jak suknia kinetyczna z filmu Gravity Fatigue (2015), zacierały granicę między modą a sztuką performance, ale nazwał eksperymenty technologiczne „prototypami”, w przeciwieństwie do dzieł, które można nosić na sobie, według Chalayana stanowią 99% jego projektów, co widać w lejących się sukienkach z nadrukowanymi rysunkami technicznymi w jego kolekcji prêt-à-porter na jesień-zimę 2016.
Mimo że Iris van Herpen w 2006 roku ukończyła studia w dziedzinie projektowania mody w ArtEZ Institute of the Arts w Holandii, stała się już wiodącym innowatorem w pełnej asymilacji zaawansowanej technologii w zaawansowanym designie. Wystawa „Iris van Herpen: Transformująca moda” w High Museum of Art w Atlancie w latach 2015–16 prezentowała pełny zakres swojej wizji w 45 zespołach reprezentujących 15 kolekcji (2008–15). Najbardziej znana była z przełomowego zastosowania drukarki 3D do generowania odzieży oraz ścisłej współpracy z architektami, naukowcami i inżynierami w celu opanowania nowych metod i materiałów. Jej kolekcja haute couture na jesień-zimę 2016 r. Prezentowała faliste biomorficzne kształty inspirowane matematyką, wibracyjne zjawiska fal dźwiękowych nad płynnymi powierzchniami, a także kruche i wykwintne suknie sferyczne wysadzane dmuchanymi szklanymi bąbelkami, które skleiły się na powlekanej perłą tkaninie gumowej po pokryciu przezroczystym silikonem. Połączenie ponadczasowego rękodzieła z ciągle rozwijającą się wiedzą naukową było także motywem przewodnim wystawy „Manus x Machina”, która w 2016 r. Przyciągnęła rekordowe tłumy do Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. W trwającym stulecie przeglądzie pracy pionierów technologicznych, takich jak Miyake, Chalayan i van Herpen, w dialogu z kultowymi przykładami tradycyjnej mody autorstwa Christiana Diora i Gabrielle („Coco”) Chanel, kurator Andrew Bolton przedstawił przekonujący argument, że ręka i maszyna muszą być postrzegane raczej jako „równi i wzajemni bohaterowie” niż „opozycyjne” i ekskluzywne siły w modzie. Nigdzie ta opinia nie była tak silnie urzeczywistniona jak w sukni ślubnej 2014–15, zaprojektowanej przez Karla Lagerfelda dla Chanel. Sukienka wykonana z dzianiny do nurkowania (neoprenu) miała pociąg o długości 6 m ozdobiony złotym wzorem foliowym i wysadzany perłami i kamieniami szlachetnymi. Wzór, oparty na szkicu Lagerfelda, wprowadzono do komputera, rozwinięto, a następnie przeniesiono do pociągu. Kiedy szkic był już na miejscu, tradycyjnie wykwalifikowani hafciarki pracowali według wzoru - praca trwała 450 godzin. Wysiłek pokazał, jak zaawansowana technologia została płynnie wchłonięta w odwieczny kunszt haute couture.
